CENNI CRITICI DI LISA BARNES

Non ho mai conosciuto personalmente l’Artista Andrea Soraperra, ma sono stata nelle montagne delle Dolomiti, dove egli è nato, abita e lavora, e ho ammirato la grandiosità di quelle montagne e dei boschi di conIfere.
C’è qualcosa di magico in questi posti, qualcosa che io non ho mai avvertito in nessuna parte del mondo in cui sono stata: si sente come una vibrazione nell’aria…
Il suono del profondo silenzio.
Il suono che ci fa sentire isolati dal resto del mondo, e, incredibilmente, anche dal proprio corpo. Realmente ebbi una forte sensazione di avere la mia anima staccata dal mio corpo, fluttuante… allora ho capito quello che Margherite Jourcernair fa dire all’imperatore Adriano nelle “Memorie di Adriano”: “Animula, vagula, blandula”…
È come praticare lo yoga che ti prende immediatamente!
Ed io ebbi lo stesso smarrimento quando, di recente, ho scoperto le sculture lignee del Maestro Andrea Soraperra.
Le ho ammirate in una mostra d’Arte Contemporanea a Roma, e ho di nuovo avvertito quella sensazione di solennità, di profonda pace delle sue montagne, che si riscontrano, come per una magica osmosi, in tutte quelle sue statue.
Il Maestro Andrea Sorapera è come un direttore d’orchestra che, con i suoi strumenti di scultore, è capace di armonizzare la Natura, scolpendo statue che con- tengono i profumi delle essenze degli alberi, tutta la solennità, la pace che si prova nei suoi magici ambienti.
In America, la grande parte degli scultori contemporanei, crea Opere usando ogni tipo di materiali, come per esempio John De Marco, Artista iperrealistico, che usa gli elementi ovvi dei tempi moderni quali plastica, poliestere, resine artificiali ecc. Gli scultori americani, al contrario di quelli europei, non hanno una tradizione di arte classica da seguire o con cui misurarsi.

Se ciò ha guidato molte Accademie di Belle Arti e un piccolo numero di scultori di tradizione classica, ha anche spinto i nostri artisti a essere più creativi. Con il risultato che nuove forme e tipologie di sculture furono iniziate da Artisti Americani, vedi lavori su roccia (Mount Rushmore), o di arte cinetica, assemblaggi, installazioni, strutture minimaliste, statue fotorealiste, pop art, opere di terre ambientali e sculture multimateriche.

Anche se Marcel Duchamp è stato il precursore dell’uso di “materiali di riporto”, gli scultori americani hanno portato questa forma di Arte di materiale di risulta a un livello d’Arte: lattine di coca cola o birre vuote, vecchie biciclette, bottiglie di plastica, scarti, sono diventate concetti filosofici, emozioni. Da oggetti a gettare a espressioni altamente concettuali e artistiche!

Naturalmente il Maestro Andrea Soraperra ha migliori prodotti di base da usare per creare Arte e in questo egli è un privilegiato… quell’incredibile Cristo che ha la parte inferiore del corpo a forma di radice… Che metafora, che sublime espressione della Sua ragione di essere il Salvatore del Mondo!

La radice è la Genesi, lo sviluppo, è la vita.
Sarebbe un po’ azzardato fare lo stesso lavoro utilizzando elementi come quelli che usa Marcel Duchamp.
Ma, naturalmente, tutto ciò è una maniera differente di concepire un’espressione artistica.
Eppure gli scultori astrattisti che usano quei prodotti di scarto come basi per le loro creazioni, sono totalmente giustificati a usarli per la loro Arte.
In Italia, credo, uno dei più significativi scultori di arte moderna e contemporanea fu Umberto Boccioni, che può avere scolpito anche statue lignee (ma veramente non so se ne ha mai fatte), perché la plasticità che troviamo nelle sue statue sembra ricavata da uno scalpello che ha lavorato in legno, più che in marmo o creta e le fusioni in bronzo.

Naturalmente per quanto bravi questi Artisti contemporanei possano essere, il materiale usato per creare le proprie opere, non è sempre d’ispirazione come può essere il legno, fatta eccezione per le sculture astratte. In altre parole il Maestro Andrea Soraperra usa un tipo di materiale, il legno, che è già di per sé nobile, vivo, caldo, na-tu-ra-le, ed è lì, pronto per essere manipolato, lavorato e rimane sempre legno, vibrante, caldo legno naturale. Uno dei più importanti scultori in legno d’America è stato Elie Nadelman, un polacco divenuto cittadino americano, (1882-1946) che creò statue lignee, aventi per soggetto deliziose figure inspirate dal folclore polacco e dalla sua Arte. E la Polonia, anch’essa, è un paese pieno di magnifiche montagne e spettacolari foreste. Un’altra speciale qualità che questo meraviglioso Artista Andrea Soraperra, è il dono di far vivere il legno ma anche di farlo..rifiorire…. i fiori che spesso ornano le sue statue sembrano veri fiori anche se ricavati da un tronco d’albero, come nell’Opera “Papaveri” (the red poppies).
Rappresenta una giovane signora, con una perfetta anatomia, nel suo elegante vestito da sera, che sembrerebbe aver lasciato una festa, seduta per terra, chinata, con la bella testa reclinata sulle ginocchia, che stringe un papavero in mano.
Non si vede il volto, ma si intuisce la sua emozione: tristezza, delusione, ferita nei suoi sentimenti, forse… e si può quasi sentire il suo pianto, disperato, nella sua solitudine, con altri papaveri dritti vicino a lei, quasi compagni silenziosi, con i loro gradi fiori rossi aperti, che sembrano occhi con espressioni smarrite, che vorrebbero aiutare, consolare…. L’intera scena è di effetto tridimensionale su uno sfondo nero che aumenta il senso di tensione e quella cornice….

La cornice stessa è un poema
Parzialmente occupata dalla figura della ragazza che si espande su di essa, è una semplice, rustica, e direi, crudele cornice, nella propria severità, austerità e sfrontatezza…. Non ho mai visto una più appropriata, esplicita, splendida cornice di questa! Forse si può trovare la stessa relazione tra la cornice e il soggetto rappresentato, solamente in alcuni sfavillanti quadri barocchi con sontuosi ritratti di cavalieri, principi o Re.

Ma questa è un’altra storia.

Tecnologia e meccanica sono la spina dorsale dell’economia del mio paese ma ora la necessità di Arte, bellezza creata da Artisti di talento, è sempre più sentita dalla gente.

Negli U.S.A., la formula “Fatto a mano”, in qualunque prodotto, è molto apprezzata e ricercata e specialmente se è seguita dal “Made in Italy . Figuriamoci le Opere d’Arte!

Io realmente credo che qui in America, il Maestro Andrea Soraperra, con i suoi lavori, potrebbe riempire un vuoto artistico nell’Arte di scolpire il legno e le sue sculture potrebbero avere un grande successo in un momento in cui la Società americana sta evolvendo verso una sempre maggiore domanda culturale, più significativa, motivata e colta, alla ricerca di una nuova e profonda interiorità artistica. Sicuramente un grande, serio, ispirato Artista come Andrea Soraperra potrebbe contribuire, con la sua meravigliosa arte, ad aumentare la qualità della vita della nostra Società, e con la mia Compagnia, che ha branche in molti Stati dell’America e nelle varie Università, stiamo cercando di organizzare una mostra della sua Arte, sperando che egli accetti la nostra offerta.

Sarebbe un evento di grande successo e richiamo e un memorabile momento di scambi culturali con l’Italia, attraverso il migliore scultore in legno italiano, il Maestro Andrea Soraperra.

CENNI CRITICI DI STEFANO LIBERATI

Nell’Arte, in genere, ci sono delle re- gole non scritte e non scrivibili che vanno oltre i confini del razionale per entrare in quello del metafisico: è impressionante costatare quanto la Natura influisca sul produttore di Arte, sull’Artista.
Sembrerebbe quasi che la Natura influisca sul fisico, addirittura sul DNA dell’essere vivente sia uomo sia animale. Quasi quanto la luna agisce sulle maree, e forse anche sui terremoti.
Non voglio qui fare un discorso di paleontologia, né di come si sono evoluti gli esseri viventi e la natura stessa.. ma è un fatto che, a parte esempi come quello della giraffa alla quale nei secoli le si è allungato il collo per meglio raggiungere le foglie degli alti alberi di cui si nutre, è interessante notare come, per quanto riguarda la Scultura (ma anche l’Archi- tettura), un artista che vive nella zona di Carrara, non sia proprio a suo agio a scolpire il legno, né, d’altra parte, a uno scultore, nato e cresciuto a Canazei, come il nostro Andrea Soraperra, verrebbe in mente di scolpire il marmo.
Sembrerebbe quasi un richiamo imperioso della Natura che ordina, comanda ed emana “radiazioni” a tutti gli esseri viventi vicino alla loro sfera d’influenza, a far parte della natura stessa… Il Maestro Andrea Soraperra è un chiarissimo esempio di questo strana circostanza totalmente spirituale, del subconscio antropologico.
Egli, infatti, non solo scolpisce in modo mirabile su legni locali ma addirittura con quel legno rappresenta scene, eventi, momenti del vivere quotidiano della sua gente nel loro territorio. E lo fa utilizzando anche l’Architettura. Infatti, in molte sculture, l’elemento di separazione tra la realtà che ci circonda e l’immagine scolpita non è solo onirico, ma anche materiale: la cornice.
La cornice, sembra essere una porta o una finestra aperta e invitante e lo scultore ci conduce per mano all’interno di questo campo, stanza, o ambiente familiare, dove chi guarda l’Opera, rivive, come spettatore in un teatro, una commedia eterna. Addirittura, talvolta, è la cornice stessa coprotagonista del quadro in bassorilievo prospettico, come per esempio nell’Opera “Romantica”, o nella “Rosso e blu” o “Papaveri “ e in molte altre in cui figure femminili nude o vestite, usano la cornice non solo come supporto fisico delimitante l’immagine, ma spesso è usata come un’esaltazione del sentimento espresso nell’Opera, che sia tristezza o felicità, oppure sogno o realtà.

Nell’opera “Romantica”, l’esegeta trova, nella composizione, una ragazza nuda che è in meditazione ispirata, totalmente in abbandono onirico dove la cornice diviene parte integrante del merito, quasi una scala e nello sfondo tridimensionale, una serie di cerchi cromatici che hanno in alto una mezza luna, elemento classico del romanticismo letterario. Un sogno tridimensionale, prospettico, architettonico, immobile e vivace nella stesso tempo in cui la finzione si amalgama con la realtà.

Qui il legno si fonde assumendo sapore di carne, di corpo della giovane, sodo, elegantissimo, anatomi- camente perfetto con la lunga chioma che sembra perennemente in movimento, scapigliata, o forse pettinata da leggere folate di vento. L’elemento cromatico dà vita alla staticità della scena: delle sagome tonde rosse e bianche su fondo nero fanno ri- saltare il modellato perfetto del suo corpo nudo, che riposa, la testa reclinata su una spalla, vagheggiando momenti di felicità…

Dunque la cornice è elemento architettonico essenziale per una lettura delle opere in chiave antroposofica, in cui si avverte la necessità dello spirito dell’uomo a unirsi, ad avvicinarsi a quello dell’universo.

Prende origine dall’esigenza del cuore e ovviamente dello spirito, a soddisfare un bisogno interiore come fossero reali, fisici.
L’Artista Andrea Soraperra, nella sua grande sensibilità, sente egli stesso questa necessità e tutto ciò che crea ha questo afflato vitale.

Ma uno scultore di grande valore come Andrea Soraperra è in costante evoluzione nel fare Arte ed essa, come i fiori che man mano sbocciano, uno dopo l’altro sullo stesso ramo, si scinde in tipologie. Nella scultura di Soraperra, si notano tre tipi di concezioni iconografiche: la sinottica, quella epistemologica e in fine quella della semiotica talvolta eso- terica, ovviamente applicata alla scultura. Facendo una breve e concisa analisi, e non dal punto cronologico, intendo per iconografia sinottica, come per esempio nell’Opera “Together”, il soggetto principale che trae ispirazione dal- l’Amore….dall’amore completo unificante, vivificante, appagante. Una totale fusione dei corpi e delle anime, dei cuori e degli spiriti. Utopia? Le due figure antropomorfe sorgono da un’unica base e come i rami di una pianta, si sviluppano in altezza, dividendosi e distinguendosi alla sommità delle spalle. Una delicatissima e commovente immagine, in cui i volti sono, appunto, sinotticamente elaborati, senza volontà di fini psicosomatici, ma che emanano vibrazioni meravigliose di Amore, lemma che non ha sinonimi, se non riduttivi. E’ metaforicamente perfetta.

Invece per l’epistemologia, interpretando il lemma, questa volta empiricamente ma significativamente, applicato alla scultura, si possono considerare opere come “ Giocoliere” o “Notturno Veneziano”, che hanno lo scopo preciso indicare la sostanza, l’effettivo significato del soggetto mostrato, senza altri chiarimenti o tentazioni didascaliche, tanta è la loro evidenza, vieppiù illuminati dal titolo delle due Opere, come anche nel meraviglioso “Omaggio a Millet; “Scomposizione”.

Nel realistico “Rua el temporèl”, le tendine della finestra aperta si scompigliano e sventolano come bandiere ai primi soffi del temporale.
E noi siamo lì, esseri alieni che veniamo da un’altra dimensione, che guardiamo e sentiamo e ci immedesimiamo con i due personaggi che sono quasi familiari, ed entriamo, non invitati né veduti, attraverso la finestra, in quella stanzetta in cui un uomo seduto, sta interloquendo con una ragazza in piedi, con un maglione a girocollo, le braccia incrociate con il gesto di chi sente il brivido della folata fredda perché…. “Rua el temporèl…. Fra poco lei chiuderà la finestra e noi usciremo in silenzio.

In questi casi la semiotica rimane fuori dal concettuale. Essa non penetra oltre la visualità.
Perché in questi casi è pace, serenità, umanità nella migliore delle astrazioni. E non richiama studi introspettivi particolari.

Ecco una delle grandi qualità di Andrea Soraperra. Esprimere se stesso: Cicerone diceva; -Animi est enim omnis actio et imago animi vultus, indices oculi- cioè ogni nostra azione (o pensiero) parte dall’animo, e il volto è l’immagine dell’animo, come gli occhi ne sono l’indice. Voglio dire, conoscendo per fama l’Artista Andrea Soraperra, egli espone se stesso nelle sue Opere che sono riflesso della sua intima serenità e antica saggezza.

Già nel primo decennio del Novecento, assistiamo alla nascita di una nuova concezione della scultura che aveva trovato un altro spirito di quello passato dove la scultura e, in genere, l’Arte doveva essere tutta esteriorità romantica, che produceva il cosiddetto feeling, una corrispondenza dei sensi del lettore. Sono Opere complete, aperte e ariose, in cui i soggetti non hanno altre interpretazioni. Semplici, lineari, direi classici. La composizione è talmente eloquente…che la difficoltà tecnica esistente nella loro creazione è ignorata, come per scontata. L’Arte che sopravviene la tecnica, lo spirito sulla materia.

A proposito di semplicità, mi piace quotare un aforisma di Benedetto Croce “La semplicità e la chiarezza sono punti di arrivo e non di partenza”. Cioè ciò che resta quando si è tolto tutto il superfluo.

L’ultima forma tipologica delle Opere dell’Artista Andrea Soraperra è quella che riguarda la semiotica della scultura, cioè quello studio approfondito che ricerca i reconditi significati dell’Opera e li riporta alla luce, talvolta in forma esoterica, associata alla metodologia dell’interpretazione, cioè all’ermeneutica dell’Opera stessa. E Andrea Soraperra, con la sua eccezionale sensibilità intellettuale ha creato lavori che richiederebbero interi volumi di esegesi, sia per la loro bellezza estetica che per i loro significati e le metafore.

Veri capolavori di un vero grande Artista quale egli è.
Solo per citarne uno, il primo che viene nella mia mente ha come titolo: “Prigioniero della Natura”. In esso, ancora una volta, la cornice, vero elemento architettonico di una composizione molto complessa e viva, inquadra in uno spazio esaromboidale, una figura di un uomo nudo, accosciato in maniera drammaticamente efficace, che viene coperto, assorbito, quasi fagocitato da un albero che ha le radici sulla cornice e si espande per tutto il suo corpo per poi continuare nella parte superiore della cornice stessa. Egli cerca di difendersi, di racchiudersi in se stesso, coprendosi con un braccio la testa e la spalla. La spazialità relativa in cui egli si trova, ci conferma la sofferenza di questo essere umano. Bellissimo il corpo, bellissima la mano, bellissimo il piede.

Mi ricorda, per l’estremo effetto metaforico, i “Prigioni di Michelangelo dell’Accademia di Firenze” che avrebbero dovuto fare parte del monumento fu- nebre di Giulio II della Rovere, in cui il Mosè sarebbe stato posto, dopo tanti ripensamenti e rielaborazioni e tante sofferenze, al suo centro.

L’uomo che lotta contro la propria umanità cioè contro il proprio stato di umano che è un limite al libero pensiero, alla libertà di agire e fare, combattendo contro il proprio stato di essere vivente, liberandosi dal fango del peccato connaturato nell’uomo, secondo appunto la concezione neoplatonica della filosofia del tempo, che lo trattiene forse senza speranza. Esso è dunque rispondente al pensiero filosofico dei neoplatonici rinascimentali, esaltanti l’affrancamento dello spirito dalle convenzioni e dalle coercizioni di un tipo “disciplina” fino ad allora imposta..

La modulazione anatomica è trattata in maniera stu- pefacente, la resa finale è esiziale. Dopo aver osservato questo capolavoro, si rimane, per diverso tempo, con un’eco visiva di esso, che resta, come un elemento fotografico dell’immagine labile e latente ma presente nel momento dell’utilizzo.

Per qualche inconscia ragione la figura accovacciata, la cornice, la simbologia e soprattutto la strut- tura architettonica dell’Opera mi fanno risuonare, nel profondo del mio spirito, l’immensa figura di Leon Battista Alberti architetto, con le sue linee romane, armoniose geometricamente ed emotivamente, silenziose nella loro solennità classica.

Una sorta di spazialità cubista della prima ora.
Ma tornando ad Andrea Soraperra, le analisi visive delle sue sculture ci indicano tutta la dimensione di questo riservato, semplice genio della scultura moderna, la cui grandezza ha diritto di un maggiore spazio e conoscenza, ed egli deve essere considerato tra i più sensibili, spirituali Maestri della storia dell’Arte mondiale, destinato a lasciare memoria indelebile e indimenticabile ai posteri.